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La spécificité des sept formes :
Trois formes rationnelles, carré, triangle, cercle et leurs couleurs primaires, rouge, jaune, bleu. Trois formes sensorielles - onde, spirale, pointillé.
La 7ème forme est la croix, c'est l'axe du corps par rapport à l'axe des yeux de l'observateur. 

 

 

Toute collégialité entre elles promet une approche artistique universelle. Vouloir privilégier un seul et même signe ou son dérivé en le multipliant à l'infini fait apparaître une valeur expressive autoritaire et de ce fait réductrice pour l'appétit visuel de ceux qui la subissent.

Ces sept directions sont un ensemble facile à mémoriser et permettent d'avoir quotidiennement l'esprit de répartie dans l'incontournable dialogue des formes, des traces, des couleurs, des rythmes en quête d'harmonie et de complémentarité. Ces formes n'imposent aucun préjugé esthétique, aucune mode. Les combinaisons qui en résultent sont sans cesse diversifiées et ne peuvent qu'accroître généreusement notre regard, nourrissant ainsi la vie de tout contemplatif, rendant l'artiste humble et besogneux devant les peintures qui se déroulent devant lui. Ces sept directions, ouvertures ou symboles, engendrent la multiplicité infinie du langage visuel. Restreindre leur nombre et éviter tout métissage entre elles appauvrit notre regard. Celui-ci a été normalement forgé par l'ombre et la lumière qui depuis des millénaires redessinent tout, chacun d'entre-nous et c'est heureux. L'homme de passion regarde davantage l'ombre et la lumière que les volumes qui les véhiculent. Sa perception est intemporelle. C'est le fond qui forge le regard plus que la forme. Chaque forme, par sa valeur expressive, change la fréquence des couleurs. Chaque matière module les lumières rasantes. Il en résulte un éternel va-et-vient entre le fond et la forme, le flux et le reflux. Ces mouvements rythment nos vies, nos respirations, notre gestuelle, notre maintien. Chaque forme, chaque couleur, chaque matière, chaque empreinte a sa propre vie, sa propre histoire, sa valeur expressive, ses non-dits, ses interrogations et ses doutes. L'apprentissage artistique est long car c'est la trace d'une vie, d'un cheminement, d'une échappée belle. L'utilisation d'un seul signe retiré de cet ensemble complémentaire rend évidemment l'information visuelle plus facile à mémoriser. Son emploi répétitif favorise les procédés publicitaires, décoratifs ou illustratifs ainsi que la signalétique. De son côté, l'oeuvre d'Art construit l'homme, elle ne l'utilise pas.

Heureusement l'ombre et la lumière tout comme les saisons nous ont habitués à des exigences visuelles vastes et contradictoires. Grâce à elles les vides s'entremêlent avec les pleins. Elles privilégient l'espace sur l'objet en absorbant celui-ci. Elles sont toujours accueillantes pour la sensibilité de chacun d'entre nous. Leur diversité infinie apporte toutes les réponses aux demandes expressives de l'amateur d'Art.

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Interview par Antarès  

 

 

"Tenter de faire apparaître le passage du tatonnement hasardeux, comme de la tranquille assurance, au talent ouvert et maîtrisé par la naissance d'un style inimitable que l'artiste a mûri lentement en effaçant humblement ses influences et en affirmant ses corrections". Ainsi s'exprimait Giró lorsqu'en 1986, je lui demandais quelle devait être selon lui la profession de foi d'un artiste contemporain.

La question qui me vint à l'esprit était : " Au delà du style est-ce que la beauté a encore un rôle à jouer dans la création contemporaine ?"

Giró : "Avoir le souci de la beauté, vouloir privilégier la culture critique sur la culture ethnologique est, à mon sens, la preuve de notre volonté de sublimation. Mais la beauté, si on ne l'a pas en soi, on ne la trouve nulle part. La prise de conscience de notre propre potentiel de créativité est notre meilleure source d'épanouissement, mais elle engendre aussi autoritarisme ou illustrations".

Antarès : "Si la beauté ne peut être trouvée qu'en nous pourquoi alors la chercher dans la nature et quelle est alors la fonction de l'œuvre d'art? "

Giró : " L'œuvre d'art remplit une fonction proche de la nature, elle tente de la prolonger sans pour celà la singer. L'immensité des contre sens qu'elle doit aussi nous proposer est pour chacun d'entre nous la meilleure structure d'accueil. L'une comme l'autre échappent à l'endoctrinement ".

Toute l'œuvre de Giró tourne autour des principes observés dans la nature : adaptabilité, mouvement, dialogue, maturation, tout ce qui permet de maintenir vivant ce qui est pourtant donné pour toujours. La nature s'exprime autant par dépôt de matière que par retrait de celle-ci, elle maintient un dialogue avec les matériaux bruts comme si

elle souhaitait interpréter le hasard des réponses que lui fourniraient les éléments en les harmonisant, en les adoucissant et en les rendant intelligibles. Comme la nature, l'artiste doit éviter toute répétition, toute égalité, toute source d'autoritarisme visuel en privilégiant les lumières rasantes irisées, les complémentarités formelles, généreuses et accueillantes. La liberté des formes, leur capacité à nous émouvoir proposent un véritable voyage intemporel. Le spectateur et l'œuvre ne sont pas seuls, la lumière vient jouer à la surface irrégulière du support, elle fait apparaître ou disparaître des formes créant une sourde mais captivante impression de vie.

L'œuvre de Giró, comme tout élément de la nature, joue avec la réalité qui l'entoure et nous aide à redécouvrir la joie profonde de créer et de regarder, car c'est nous-mêmes que ces œuvres transforment, c'est notre regard qu'elles évoquent, qu'elles nous renvoient.

Là où le mystère, c'est à dire l'insaisissable et le changement, est absent il n'y a point de vie, point d'humanité, point de beauté. Ici la démarche de l'artiste se déplace de sa propre forme d'expression vers un état, une façon de vivre qui est celle de l'amateur d'art. Il réapprend

les subtiles correspondances qui existent entre peinture, musique et poésie. Pour Giró, il y a toujours dans l'acte créateur une volonté pédagogique. Toute vocation est tournée vers autrui. L'artiste se pose ainsi en guide et incarne la dimension prophétique dans la société contemporaine. Il nous réconcilie avec notre environnement immédiat. C'est dans cette perspective qu'est né le projet " Musique-Image ". Le compositeur Gérard Hiéroninmus, l'ami de longue date de Giró participe à l'élaboration du spectacle pédagogique reposant sur un dialogue entre la musique et l'image mais surtout entre la création matérielle de la musique et celle de la peinture. Il s'agit de mettre en évidence le fait qu'au delà des modes d'expression spécifiques à chaque artiste émerge un souci commun, une aspiration qui les réunit tous en un unique cercle passionné de chercheurs assidus, d'une vérité profondément humaine.

Car c'est toujours la vision de l'homme sur les êtres et les choses qui anime les grandes créations de l'art. En ce sens ce qui définit le mieux la peinture de Giró c'est cette préoccupation majeure de retrouver d'abord la mémoire de l'œuvre . Rechercher dans chaque tableau tous ceux qui l'ont précédé.

Si la beauté joue un rôle central dans cette création artistique c'est que de tous les sentiments elle est le plus mystérieux, le plus insaisissable, celui qui, avec l'amour, mêle le plus d'intuitions contradictoires.

Giró donne une authenticité à sa démarche, fait l'offrande de toute son énergie au service de l'art parce que l'art lui-même est au service de quelque chose de plus grand. Ce qui lui permet de se dépasser, c'est la certitude qu'il a d'avoir pour seule fonction, de tenter d'atteindre la beauté et de la faire partager aux autres.

 

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